El movimiento de arte feminista surgió a fines de la década de 1960 en medio del fervor de las manifestaciones en contra de la guerra y los movimientos de los derechos civiles y extraños.
Al escuchar los ideales utópicos de los movimientos modernistas de principios del siglo XX, las artistas feministas intentaron reescribir una historia artística falsamente dominada por los hombres, así como cambiar el mundo contemporáneo a través de su arte, centrándose en la intervención en el mundo artístico establecido y El legado de Canon Art, así como en las interacciones sociales cotidianas. Como declaró la artista Suzanne Lacy, el objetivo del arte feminista era "influir en las actitudes culturales y transformar los estereotipos". El arte feminista creó oportunidades y espacios que antes no existían para las mujeres y artistas minoritarios, así como allanó el camino para el arte de la identidad y el arte activista de los años ochenta.
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IDEAS CLAVES
Las artistas feministas buscaron crear un diálogo entre el espectador y la obra de arte a través de la inclusión de la perspectiva de las mujeres. El arte no era simplemente un objeto de admiración estética, sino que también podía incitar al espectador a cuestionar el panorama social y político y, a través de este cuestionamiento, posiblemente afectar al mundo y generar un cambio hacia la igualdad.
Antes del feminismo, la mayoría de las artistas mujeres eran invisibles para el público. A menudo se les negaron las exposiciones y la representación de la galería por el solo hecho de su género. El mundo del arte fue ampliamente conocido, o promovido como, un club de niños, de los cuales sectas como los miembros del Expresionismo Abstracto que bebían mucho y eran mujeres estaban glamurizadas. Para combatir esto, las artistas feministas crearon lugares alternativos y trabajaron para cambiar las políticas de las instituciones establecidas para promover la visibilidad de las mujeres artistas dentro del mercado.
Las artistas feministas a menudo abrazaban materiales alternativos que estaban conectados con el género femenino para crear su trabajo, como los textiles u otros medios que los hombres utilizaban poco antes, como la performance y el video, que no tenían el mismo precedente históricamente dominado por los hombres que la pintura y la pintura. escultura llevada. Al expresarse a través de estos medios no tradicionales, las mujeres buscaron ampliar la definición de bellas artes e incorporar una variedad más amplia de perspectivas artísticas.
Las siguientes obras de arte son algunas de las más importantes en Arte Feminista, que resumen las ideas principales del movimiento y resaltan los logros más grandes de cada artista.
Algunas mujeres vivas artistas / La última cena (1972)
Artista: Mary Beth Edelson
Mary Beth Edelson utilizó una imagen del famoso mural de Leonardo da Vinci como la base de este collage al que colocó las cabezas de notables artistas femeninas en lugar de los hombres originales. Cristo fue cubierto con una foto de Georgia O'Keeffe. Además de desafiar el club solo para hombres de la pintura, también enfrentó la subordinación de las mujeres que a menudo se encuentran en la religión. La pieza se convirtió rápidamente en una de las imágenes más emblemáticas del arte feminista y reforzó el deseo del movimiento de negar la ausencia de las mujeres de gran parte de la documentación histórica.
Litografía sobre papel - Smithsonian American Art Museum
Judy Chicago y Miriam Schapiro: Womanhouse (1972)
Casa de la mujer (1972)
Artista: Judy Chicago y Miriam Schapiro
La instalación Womanhouse abarcó una casa completa en el residencial Hollywood organizada por Judy Chicago y Miriam Schapiro como la culminación del Programa de Arte Feminista (FAP) en el Instituto de Artes de California en 1972. Las veintiuna estudiantes completamente femeninas. Primero renovó la casa, que había sido previamente marcada para la demolición, luego instaló ambientes artísticos específicos del lugar dentro de los espacios interiores que iban desde la figura escultórica de una mujer atrapada dentro de un armario de ropa blanca hasta la cocina donde las paredes y el techo estaban cubiertos con huevos fritos. que se transformó en pechos. Muchos de los artistas también crearon representaciones que tuvieron lugar dentro de Womanhouse para abordar aún más la relación entre las mujeres y el hogar.
Toda la pieza de colaboración fue sobre el reclamo de una mujer de espacio doméstico de uno en el que se posicionó como simplemente esposa y madre a uno en el que fue vista como un ser totalmente expresivo no limitado por la asignación de género. Esto desafió los roles femeninos tradicionales y dio a las mujeres un nuevo ámbito para presentar sus puntos de vista dentro de un contexto completamente integrado del arte y la vida.
Lynda Benglis: ArtForum Advertisement (1974)
Anuncio de ArtForum (1974)
En 1974, cuando la artista Lynda Benglis se sentía subrepresentada en la comunidad artística masculina, reaccionó creando una serie de anuncios en revistas que mostraban críticas de las representaciones tradicionales de mujeres en los medios. Su anuncio más famoso se publicó en ArtForum, en el que promocionó su próximo espectáculo en la Galería Paula Cooper posando desnuda, sosteniendo un consolador de dos cabezas, con gafas de sol cubriendo sus ojos. Ella pagó $ 3,000 por el anuncio, un pequeño precio por algo que la establecería como una jugada importante en la historia del arte feminista.
Miriam Schapiro: Anatomía de un Kimono (1974)
Anatomía de un kimono (1974)
Anatomía de un Kimono es una de las muchas "femmages" que Schapiro creó, a partir de mediados de la década de 1970, y se basa en los patrones de kimonos, fanáticos y túnicas japonesas. Schapiro usó el término femmage para describir obras que combinaban técnicas de collage, pintura, tela, bordado y otras técnicas de "arte elevado" y "arte decorativo", destacando simultáneamente la relación de las mujeres con esos materiales y procesos.
Aquí, el artista recolectó pañuelos donados mientras recorría el país y los amontonó con otras telas para formar diez paneles grandes llenos de formas inspiradas en Japón. La obra adopta la escala monumental de los lienzos expresionistas abstractos, pero al usar tela en lugar de pintura, Schapiro eleva un material utilitario y femenino al reino del "arte elevado".
Semiótica de la Cocina (1975).
Artista: Martha Rosler
Ahora, una de las obras canónicas del videoarte feminista, Semiotics of the Kitchen, examina la esclavitud de las mujeres en el contexto del hogar a través de la tropel del espectáculo de cocina televisado. En él, vemos a Rosler como una autodenominada "anti-Julia Child" mientras recoge un flujo alfabetizado de utensilios de cocina (algunos extraños y anticuados) y les da nombres al azar antes de demostrar violentamente su uso con pantomima. La mujer y sus implementos interrumpen el sistema familiar de significados cotidianos: los signos de producción de alimentos que se entienden de manera segura estallan en ira. En una lista de los implementos de cocina, afirma Rosler, "cuando la mujer habla, nombra su propia opresión". Ella, al igual que muchas artistas feministas de la década de 1970, deseaba interrumpir y cambiar las nociones preconcebidas sobre los roles de las mujeres en el hogar y cómo estaban representadas en los medios de comunicación.
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IDEAS CLAVES
Las artistas feministas buscaron crear un diálogo entre el espectador y la obra de arte a través de la inclusión de la perspectiva de las mujeres. El arte no era simplemente un objeto de admiración estética, sino que también podía incitar al espectador a cuestionar el panorama social y político y, a través de este cuestionamiento, posiblemente afectar al mundo y generar un cambio hacia la igualdad.
Antes del feminismo, la mayoría de las artistas mujeres eran invisibles para el público. A menudo se les negaron las exposiciones y la representación de la galería por el solo hecho de su género. El mundo del arte fue ampliamente conocido, o promovido como, un club de niños, de los cuales sectas como los miembros del Expresionismo Abstracto que bebían mucho y eran mujeres estaban glamurizadas. Para combatir esto, las artistas feministas crearon lugares alternativos y trabajaron para cambiar las políticas de las instituciones establecidas para promover la visibilidad de las mujeres artistas dentro del mercado.
Las artistas feministas a menudo abrazaban materiales alternativos que estaban conectados con el género femenino para crear su trabajo, como los textiles u otros medios que los hombres utilizaban poco antes, como la performance y el video, que no tenían el mismo precedente históricamente dominado por los hombres que la pintura y la pintura. escultura llevada. Al expresarse a través de estos medios no tradicionales, las mujeres buscaron ampliar la definición de bellas artes e incorporar una variedad más amplia de perspectivas artísticas.
Las siguientes obras de arte son algunas de las más importantes en Arte Feminista, que resumen las ideas principales del movimiento y resaltan los logros más grandes de cada artista.
Algunas mujeres vivas artistas / La última cena (1972)
Artista: Mary Beth Edelson
Mary Beth Edelson utilizó una imagen del famoso mural de Leonardo da Vinci como la base de este collage al que colocó las cabezas de notables artistas femeninas en lugar de los hombres originales. Cristo fue cubierto con una foto de Georgia O'Keeffe. Además de desafiar el club solo para hombres de la pintura, también enfrentó la subordinación de las mujeres que a menudo se encuentran en la religión. La pieza se convirtió rápidamente en una de las imágenes más emblemáticas del arte feminista y reforzó el deseo del movimiento de negar la ausencia de las mujeres de gran parte de la documentación histórica.
Litografía sobre papel - Smithsonian American Art Museum
Judy Chicago y Miriam Schapiro: Womanhouse (1972)
Casa de la mujer (1972)
Artista: Judy Chicago y Miriam Schapiro
La instalación Womanhouse abarcó una casa completa en el residencial Hollywood organizada por Judy Chicago y Miriam Schapiro como la culminación del Programa de Arte Feminista (FAP) en el Instituto de Artes de California en 1972. Las veintiuna estudiantes completamente femeninas. Primero renovó la casa, que había sido previamente marcada para la demolición, luego instaló ambientes artísticos específicos del lugar dentro de los espacios interiores que iban desde la figura escultórica de una mujer atrapada dentro de un armario de ropa blanca hasta la cocina donde las paredes y el techo estaban cubiertos con huevos fritos. que se transformó en pechos. Muchos de los artistas también crearon representaciones que tuvieron lugar dentro de Womanhouse para abordar aún más la relación entre las mujeres y el hogar.
Toda la pieza de colaboración fue sobre el reclamo de una mujer de espacio doméstico de uno en el que se posicionó como simplemente esposa y madre a uno en el que fue vista como un ser totalmente expresivo no limitado por la asignación de género. Esto desafió los roles femeninos tradicionales y dio a las mujeres un nuevo ámbito para presentar sus puntos de vista dentro de un contexto completamente integrado del arte y la vida.
Lynda Benglis: ArtForum Advertisement (1974)
Anuncio de ArtForum (1974)
En 1974, cuando la artista Lynda Benglis se sentía subrepresentada en la comunidad artística masculina, reaccionó creando una serie de anuncios en revistas que mostraban críticas de las representaciones tradicionales de mujeres en los medios. Su anuncio más famoso se publicó en ArtForum, en el que promocionó su próximo espectáculo en la Galería Paula Cooper posando desnuda, sosteniendo un consolador de dos cabezas, con gafas de sol cubriendo sus ojos. Ella pagó $ 3,000 por el anuncio, un pequeño precio por algo que la establecería como una jugada importante en la historia del arte feminista.
Miriam Schapiro: Anatomía de un Kimono (1974)
Anatomía de un kimono (1974)
Anatomía de un Kimono es una de las muchas "femmages" que Schapiro creó, a partir de mediados de la década de 1970, y se basa en los patrones de kimonos, fanáticos y túnicas japonesas. Schapiro usó el término femmage para describir obras que combinaban técnicas de collage, pintura, tela, bordado y otras técnicas de "arte elevado" y "arte decorativo", destacando simultáneamente la relación de las mujeres con esos materiales y procesos.
Aquí, el artista recolectó pañuelos donados mientras recorría el país y los amontonó con otras telas para formar diez paneles grandes llenos de formas inspiradas en Japón. La obra adopta la escala monumental de los lienzos expresionistas abstractos, pero al usar tela en lugar de pintura, Schapiro eleva un material utilitario y femenino al reino del "arte elevado".
Semiótica de la Cocina (1975).
Artista: Martha Rosler
Ahora, una de las obras canónicas del videoarte feminista, Semiotics of the Kitchen, examina la esclavitud de las mujeres en el contexto del hogar a través de la tropel del espectáculo de cocina televisado. En él, vemos a Rosler como una autodenominada "anti-Julia Child" mientras recoge un flujo alfabetizado de utensilios de cocina (algunos extraños y anticuados) y les da nombres al azar antes de demostrar violentamente su uso con pantomima. La mujer y sus implementos interrumpen el sistema familiar de significados cotidianos: los signos de producción de alimentos que se entienden de manera segura estallan en ira. En una lista de los implementos de cocina, afirma Rosler, "cuando la mujer habla, nombra su propia opresión". Ella, al igual que muchas artistas feministas de la década de 1970, deseaba interrumpir y cambiar las nociones preconcebidas sobre los roles de las mujeres en el hogar y cómo estaban representadas en los medios de comunicación.