"Si fuéramos capaces de volver nuestro destino al azar y aceptar sin desmayo el misterio de nuestra vida, podría hallarse próxima una cierta dicha, bastante semejante a la inocencia." Luis Buñuel
Descubre las 10 mejores películas surrealistas que redefinieron el cine y el arte, en celebración de los 100 años del surrealismo.
Por: José Daniel Figuera
El surrealismo, como movimiento artístico, nació a principios del siglo XX con el objetivo de trascender la realidad, explorar el inconsciente y exponer los deseos más profundos y reprimidos del ser humano. Fundado por André Breton en 1924, ha influido en las artes visuales, la literatura y, por supuesto, el cine. En este último medio, el surrealismo ha permitido a los cineastas crear narrativas oníricas y absurdas, romper con las convenciones tradicionales del tiempo y el espacio, y abrirse a una creatividad sin restricciones. A continuación, repasamos algunas de las mejores películas surrealistas que han dejado una huella imborrable en la historia del cine, celebrando así el centenario de este extraordinario movimiento.
Un perro Andaluz (1929) – Luis Buñuel y Salvador Dalí
No hay mejor forma de comenzar un análisis del cine surrealista que con el cortometraje que definió el género. "Un perro Andaluz", de Luis Buñuel y Salvador Dalí, es un asalto directo a la racionalidad. La película, de tan solo 16 minutos, mezcla imágenes aparentemente inconexas y perturbadoras, como el icónico momento en el que un ojo es cortado con una navaja, que hacen que el espectador se cuestione constantemente lo que está viendo. Buñuel y Dalí utilizaron el simbolismo onírico freudiano para crear un collage de ideas que no siguen una narrativa lógica.
No hay mejor forma de comenzar un análisis del cine surrealista que con el cortometraje que definió el género. "Un perro Andaluz", de Luis Buñuel y Salvador Dalí, es un asalto directo a la racionalidad. La película, de tan solo 16 minutos, mezcla imágenes aparentemente inconexas y perturbadoras, como el icónico momento en el que un ojo es cortado con una navaja, que hacen que el espectador se cuestione constantemente lo que está viendo. Buñuel y Dalí utilizaron el simbolismo onírico freudiano para crear un collage de ideas que no siguen una narrativa lógica.
El verdadero valor de "Un perro Andaluz" radica en su capacidad para incomodar y subvertir las expectativas del espectador. En lugar de contar una historia coherente, la película apela directamente al subconsciente, jugando con las emociones e instintos primarios. A lo largo de su corta duración, Buñuel y Dalí exponen lo ilógico de la psique humana, lo que lo convierte en un clásico que aún hoy sigue provocando interpretaciones.
La Edad de Oro (1930) – Luis Buñuel
Luis Buñuel es sin duda una figura central del cine surrealista. Con "La edad de Oro", continuó la colaboración con Dalí, aunque esta vez con una narrativa más desarrollada. La película es una crítica satírica de la sociedad burguesa y sus valores, algo que Buñuel exploró a lo largo de su carrera. En la pelicula, el espectador es testigo de una serie de episodios que parecen sacados de un sueño febril: una pareja de amantes constantemente interrumpida, escenas que cambian abruptamente de contexto y una figura religiosa en una situación desconcertante.
Luis Buñuel es sin duda una figura central del cine surrealista. Con "La edad de Oro", continuó la colaboración con Dalí, aunque esta vez con una narrativa más desarrollada. La película es una crítica satírica de la sociedad burguesa y sus valores, algo que Buñuel exploró a lo largo de su carrera. En la pelicula, el espectador es testigo de una serie de episodios que parecen sacados de un sueño febril: una pareja de amantes constantemente interrumpida, escenas que cambian abruptamente de contexto y una figura religiosa en una situación desconcertante.
La película combina la poesía visual con la crítica social, desafiando no solo las normas del cine tradicional, sino también las convenciones sociales y religiosas de la época. A través de sus imágenes impactantes y absurdas, Buñuel muestra un mundo donde el deseo y el caos priman sobre la lógica y el orden.
"El Topo" (1970) – Alejandro Jodorowsky
Alejandro Jodorowsky, el cineasta y artista chileno, llevó el surrealismo a nuevas alturas con "El Topo", una película que desafía las categorías convencionales del género western. Jodorowsky combina elementos de la espiritualidad, la violencia y la filosofía en un viaje lisérgico por el desierto, donde su protagonista, un pistolero en busca de iluminación, se enfrenta a diversos enemigos y pruebas.
Lo que hace que "El Topo" sea una pieza esencial del cine surrealista es su rechazo a las estructuras narrativas tradicionales. La película se desarrolla como una serie de viñetas cargadas de simbolismo esotérico y visual, donde cada escena parece desbordarse de significado, pero al mismo tiempo invita a la libre interpretación. Jodorowsky logra crear una experiencia cinematográfica única, que sigue siendo relevante y fascinante décadas después de su estreno.
Eraserhead (1977) – David Lynch
David Lynch es un maestro del surrealismo moderno, y "Eraserhead" es su primera obra maestra en este género. La película es una pesadilla en blanco y negro que explora el miedo a la paternidad, la alienación urbana y el colapso emocional de su protagonista, Henry Spencer. Desde su ambiente opresivo hasta su atmósfera de pesadilla, "Eraserhead" es una obra surrealista que utiliza lo grotesco y lo absurdo para reflejar las ansiedades más profundas del ser humano.
David Lynch es un maestro del surrealismo moderno, y "Eraserhead" es su primera obra maestra en este género. La película es una pesadilla en blanco y negro que explora el miedo a la paternidad, la alienación urbana y el colapso emocional de su protagonista, Henry Spencer. Desde su ambiente opresivo hasta su atmósfera de pesadilla, "Eraserhead" es una obra surrealista que utiliza lo grotesco y lo absurdo para reflejar las ansiedades más profundas del ser humano.
Lynch crea una experiencia visualmente perturbadora, donde lo familiar se vuelve extraño y lo extraño, inquietantemente familiar. La película no busca dar respuestas claras ni explicaciones lógicas, sino que funciona como una ventana a un mundo de sueños donde las emociones se expresan a través de lo visual.
La montaña sagrada (1973) – Alejandro Jodorowsky
Alejandro Jodorowsky vuelve a aparecer en esta lista con "La montaña sagrada", una película aún más ambiciosa y cargada de simbolismo que "El Topo". Inspirada en el tarot y la alquimia, la película sigue a un ladrón que se embarca en un viaje espiritual junto a un grupo de personajes excéntricos, con el objetivo de alcanzar la iluminación en la mítica Montaña Sagrada.
Alejandro Jodorowsky vuelve a aparecer en esta lista con "La montaña sagrada", una película aún más ambiciosa y cargada de simbolismo que "El Topo". Inspirada en el tarot y la alquimia, la película sigue a un ladrón que se embarca en un viaje espiritual junto a un grupo de personajes excéntricos, con el objetivo de alcanzar la iluminación en la mítica Montaña Sagrada.
"La montaña sagrada" es una de las películas más visualmente ricas y complejas de la historia del cine. Cada escena está repleta de detalles simbólicos que invitan al espectador a reflexionar sobre el materialismo, la religión y el significado de la vida. Jodorowsky combina su estética surrealista con una profunda crítica social, logrando una obra que, aunque desconcertante, resulta tremendamente atractiva.
El ángel exterminador (1962) – Luis Buñuel
En "El ángel exterminador", Buñuel regresa al surrealismo para contar la historia de un grupo de burgueses que, tras una cena, descubren que no pueden abandonar la habitación en la que se encuentran. La situación se vuelve cada vez más absurda y claustrofóbica, mientras los personajes se ven enfrentados a sus propios demonios internos y a la irracionalidad de su confinamiento.
Lo más fascinante de esta película es su capacidad para capturar la psicología humana en su forma más cruda y visceral. A través de metáforas visuales, Dulac desentraña el conflicto interno del protagonista, entre su fe religiosa y sus deseos carnales. La película fue duramente criticada en su época por su contenido transgresor, pero hoy en día es vista como un ejemplo clave de cómo el cine puede ser un vehículo para el arte surrealista. 
El uso de la repetición y la edición experimental en "Meshes of the Afternoon" subraya el carácter surrealista de la obra. Deren juega con el concepto del tiempo y el espacio, haciendo que cada escena se sienta a la vez familiar y desconcertante. Su tratamiento del inconsciente y el sueño hace de esta película una pieza crucial en la historia del cine surrealista. 
La película es un ensayo visual sobre la memoria, la percepción y el deseo. El entorno del lujoso hotel y los jardines perfectamente cuidados contrastan con la inquietud y la confusión de los personajes. Resnais logra una atmósfera enigmática, donde el surrealismo emerge no solo de las imágenes, sino de la misma estructura del relato. 
Jireš utiliza el surrealismo para abordar temas de la adolescencia, el despertar sexual y la corrupción, creando una película que, aunque perturbadora en momentos, está impregnada de una belleza visual única. Con su mezcla de terror y surrealismo, "Valerie y su semana de maravillas" es una experiencia cinematográfica hipnótica y única.
En "El ángel exterminador", Buñuel regresa al surrealismo para contar la historia de un grupo de burgueses que, tras una cena, descubren que no pueden abandonar la habitación en la que se encuentran. La situación se vuelve cada vez más absurda y claustrofóbica, mientras los personajes se ven enfrentados a sus propios demonios internos y a la irracionalidad de su confinamiento.
La película es una metáfora social, donde
Buñuel critica las estructuras de poder y la naturaleza humana. Como en
otras de sus obras, el director utiliza el surrealismo para desmontar
las normas de la civilización y mostrar la fragilidad de los códigos
morales que sostienen a la sociedad.
El Seashell y el clérigo (1928) – Germaine Dulac
Esta obra maestra del cine experimental y surrealista fue dirigida por Germaine Dulac, quien, junto con Antonin Artaud, creó una película pionera en el surrealismo cinematográfico. "El Seashell y el clérigo" explora los deseos reprimidos de un sacerdote, mezclando visiones oníricas con simbolismo erótico. La película, al igual que "Un perro Andaluz", rechaza la narrativa tradicional en favor de un flujo de imágenes y emociones que reflejan el inconsciente.
Esta obra maestra del cine experimental y surrealista fue dirigida por Germaine Dulac, quien, junto con Antonin Artaud, creó una película pionera en el surrealismo cinematográfico. "El Seashell y el clérigo" explora los deseos reprimidos de un sacerdote, mezclando visiones oníricas con simbolismo erótico. La película, al igual que "Un perro Andaluz", rechaza la narrativa tradicional en favor de un flujo de imágenes y emociones que reflejan el inconsciente.
Lo más fascinante de esta película es su capacidad para capturar la psicología humana en su forma más cruda y visceral. A través de metáforas visuales, Dulac desentraña el conflicto interno del protagonista, entre su fe religiosa y sus deseos carnales. La película fue duramente criticada en su época por su contenido transgresor, pero hoy en día es vista como un ejemplo clave de cómo el cine puede ser un vehículo para el arte surrealista.
"Meshes of the Afternoon" (1943) – Maya Deren
Maya Deren es una de las figuras más influyentes del cine experimental, y "Meshes of the Afternoon" es su película más icónica. Este cortometraje explora el estado onírico de su protagonista, interpretada por la misma Deren, mientras cae en un bucle de repeticiones y símbolos recurrentes: una flor, una llave, un espejo. A lo largo de la película, el espectador se siente atrapado en un laberinto de imágenes surrealistas que evocan la desintegración de la identidad.
Maya Deren es una de las figuras más influyentes del cine experimental, y "Meshes of the Afternoon" es su película más icónica. Este cortometraje explora el estado onírico de su protagonista, interpretada por la misma Deren, mientras cae en un bucle de repeticiones y símbolos recurrentes: una flor, una llave, un espejo. A lo largo de la película, el espectador se siente atrapado en un laberinto de imágenes surrealistas que evocan la desintegración de la identidad.
El uso de la repetición y la edición experimental en "Meshes of the Afternoon" subraya el carácter surrealista de la obra. Deren juega con el concepto del tiempo y el espacio, haciendo que cada escena se sienta a la vez familiar y desconcertante. Su tratamiento del inconsciente y el sueño hace de esta película una pieza crucial en la historia del cine surrealista.
El último año en Marienbad (1961) – Alain Resnais
Alain Resnais, con "El último año en Marienbad", lleva el surrealismo a un terreno de ambigüedad temporal y emocional. La película narra la historia de un hombre que asegura haber conocido a una mujer el año anterior en Marienbad, aunque ella no lo recuerda. La narrativa fragmentada y repetitiva de la película crea un estado hipnótico, en el que el tiempo parece no tener sentido y los recuerdos se entrelazan con la fantasía.
Alain Resnais, con "El último año en Marienbad", lleva el surrealismo a un terreno de ambigüedad temporal y emocional. La película narra la historia de un hombre que asegura haber conocido a una mujer el año anterior en Marienbad, aunque ella no lo recuerda. La narrativa fragmentada y repetitiva de la película crea un estado hipnótico, en el que el tiempo parece no tener sentido y los recuerdos se entrelazan con la fantasía.
La película es un ensayo visual sobre la memoria, la percepción y el deseo. El entorno del lujoso hotel y los jardines perfectamente cuidados contrastan con la inquietud y la confusión de los personajes. Resnais logra una atmósfera enigmática, donde el surrealismo emerge no solo de las imágenes, sino de la misma estructura del relato.
Valerie y su semana de maravillas (1970) – Jaromil Jireš
Esta joya del cine checoslovaco combina el surrealismo con elementos del folklore y el horror gótico. "Valerie y su semana de maravillas" sigue a una joven que, tras recibir su primer beso, entra en un mundo de fantasía lleno de vampiros, sacerdotes corruptos y símbolos eróticos. La película es una especie de cuento de hadas oscuro, en el que las imágenes poéticas y surrealistas crean una atmósfera de ensueño.
Jireš utiliza el surrealismo para abordar temas de la adolescencia, el despertar sexual y la corrupción, creando una película que, aunque perturbadora en momentos, está impregnada de una belleza visual única. Con su mezcla de terror y surrealismo, "Valerie y su semana de maravillas" es una experiencia cinematográfica hipnótica y única.